Archief voor categorie Kunstenaar

5x De rijkste Nederlandse kunstenaars

{lang: 'nl'}

Vaak is het moeilijk om kunstenaars naar rijkdom in te delen. We weten wel met zekerheid te zeggen dat Marlene Dumas nu onbetwist de rijkste kunstenares is van Nederland. Zij staat met stip op nummer 1. Zij is als Zuid Afrikaanse in 1976 naar Nederland geëmigreerd. In 2005 vestigde ze het veilingrecord van € 3,5 miljoen. Ook haar nieuwe schilderijen worden in de galeries van New York met gemak voor bedragen van meer dan een half miljoen verkocht. Haar jaarinkomen wordt geschat op € 2,5 miljoen. Het is bij haar niet bekend voor welk bedrag ze aan werken nog als voorraad op haar zolder heeft staan. Er staan op haar zolder 73.000 handelsgoederen. De voorraad is gewaardeerd tegen de kostprijs. Dat is slechts een schijntje van wat ze zullen opbrengen. In werkelijkheid zal de voorraad kunstwerken een vermogen waard zijn.

De andere rijke kunstenaars

Rineke Dijkstra wordt als nummer twee beschouwd van de rijkste kunstenaars van Nederland. Zij is fotograaf en heeft net als nummer drie, Desirée Dolron het werk meerdere keren kunnen afdrukken en verkopen.

Nummer vier is de schilder Michael Readecker die in Amsterdam is geboren maar in Londen woonachtig is. Voor zijn werken wordt tijdens veilingen toch al snel €100.000 betaald. Verder is het moeilijk te bepalen wie daarna de rijkste is. Het werk van Joep van Lieshout wordt wereldwijd gekocht voor musea. Het is niet bekend hoeveel dat in werkelijk voor hem oplevert. Ook de schilder Daan van Golden hoort in het rijtje thuis. Hij maakt niet veel werken. Op zijn hoogst drie werken per jaar.

Indeling

Toch zal het moeilijk blijven om kunstenaars in te delen naar rijkdom. Ze leven over het algemeen sober en weten hun rijkdom vaak goed te verbergen. Ze willen niet hebben dat een ander weet hoeveel ze in werkelijkheid verdienen. Kunstenaars leven vaak een teruggetrokken leven. Niet allemaal natuurlijk. Er zijn altijd uitzonderingen. Er zijn kunstenaars die graag in de schijnwerpers staan, maar dat is toch wel de kleinste groep. Daarom is het moeilijk om een verdere rangorde naar rijkdom in te delen.

Afbeeldingsresultaat voor Marlene Dumas

 

De beroemdste kunstenaars aller tijden

{lang: 'nl'}

De wereld van kunst is enorm uitgebreid. Maar wat zijn nu eigenlijk kunstenaars die beschouwd kunnen worden als de beroemdste en waarom? Er zijn er velen, maar ik tracht de belangrijksten hieronder toch even op te sommen voor u.

Leonardo Da Vinci

Gekend als schilder, maar Da Vinci was ook architect, uitvinder, ingenieur, filosoof, natuurkundige, scheikundige, anatomist, beeldhouwer, schrijver en componist. Deze veelzijdige persoon wordt gezien als genie uit de Renaissance. Een van zijn bekendste werken is zonder twijfel ‘Mona Lisa’.

Rembrandt van Rijn

Een Nederlandse schilder, gekend om meerdere wereldberoemde werken zoals ‘Het Joodse Bruidje’, ‘De Storm van de Zee van Galilea’ en ‘De Nachtwacht’. Hij leefde van 1606 tot 1669 en behoort tot de Barok.

Vincent van Gogh

Hoewel deze schilder alles behalve gevierd was tijdens zijn leven, werd hij wereldberoemd na zijn dood. De wanhoop en psychische problemen die zijn gedachten teisterden tijdens zijn leven zijn duidelijk terug te vinden in zijn schilderstijl. Hij wordt gezien als de belangrijkste kunstenaar van het expressionisme.

Pablo Picasso

Picasso begon zijn carrière als realistisch schilder maar zal uiteindelijk wereldberoemd worden met zijn kubistische werken zoals ‘Guernica’ een werk uit 1937 waarmee Picasso de pijn en het leed van de oorlog uitdrukt.

Salvador Dali

Deze excentrieke, Spaanse schilder leefde van 1904 tot 1989. Zijn werken die gelijkenissen vertonen met het kubisme en het impressionisme, behoren echter tot het surrealisme. Zijn bekendste werk ‘De volharding der herinnering’, zou Einstein geïnspireerd hebben in zijn relativiteitstheorie.

Peter Paul Rubens

Deze Antwerpse schilder leefde van 1577 tot 1640. Hij werd vooral bekend om zijn naakten, die later de titel ‘Rubens-naakten’ zouden krijgen. Hij behoort tot de Barok.

Panamarenko

Een hedendaagse kunstenaar. Zelf noemt hij zich een ‘luchtschipper’. Vooral gekend om zijn ‘tuigen’. Het is Panamarenko’s droom te kunnen vliegen. Dit zien we doorheen al zijn werken. Wanneer een tuig ook echt vliegt, zal hij het verwoesten zodat het uit de lucht omlaag valt. Dit doet hij omdat hij niet wil dat een tuig ook daadwerkelijk zijn droom tot uitvoering brengt omdat hij dan zijn streefdoel verliest.

 

Afbeeldingsresultaat voor Leonardo Da Vinci

Tjalf Sparnaay, hyperrealist van deze tijd

{lang: 'nl'}

Tjalf Sparnaay werd geboren in Haarlem, 1954. Hij is een autodidactisch kunstenaar sinds 1980 en werkzaam in Hilversum. Hij ontwierp oorspronkelijk ansichtkaarten als bron van inkomsten. Oorspronkelijk studeerde hij af als sportleraar.
Hij behoort tot de strekking van hyperrealistische kunstenaars en vindt zichzelf zowel zakenman als kunstenaar.

Zowel in Nederland als in het buitenland is Sparnaays werk bekend en vinden geregeld exposities plaats. Exposities vinden plaats bij Bernarducci Meisel Gallery in New York, PlusOne Gallery in London, en Mark Peet Visser Gallery in Nederland.

Wat maakt zijn kunst zo uniek?

Sparnaay vond zijn grootste inspiratie in kunstenaars als Carel Willink en foto-realistische kunstenaars als Ralph Goings, Charles Belland en Richard Estes.
Hij werkt veelal met olieverf en zijn onderwerpen kenmerken zich door het alledaagse.
Onderwerpen die aan bod komen bij Sparnaay, zijn veelal zaken die met voeding te maken hebben. Terug te vinden onderwerpen zijn een platgetrapt Coca-Cola blik, een alledaags ontbijt, een bereid ei, een half opgegeten lunch, fastfood en desserts etc.

Hij laat zich veelal inspireren voor 17e eeuwse stillevens van gekende en minder bekende grootmeesters, maar onderscheidt zich hiervan door het toepassen van extreem grote formaten. De technieken die hij toepast zijn hyperrealisme. Zijn grootste werk dateert uit 2014 en draagt de titel FoodScape. Een immense schilderij van 120 cm x 300 cm.

Sparnaay specialiseert zich meesterlijk in details. Zijn doel is om alledaagse items uit te vergroten totdat zelfs de kleinste details zichtbaar zijn en zo de aandacht kunnen trekken van de toeschouwer die hier anders misschien niet eens aandacht aan had besteedt.
Het spreekt dan ook voor zich dat deze werken bekeken moeten worden vanop een zekere afstand zodat je alle details kan bestuderen en toch het volledige geheel niet uit het oog verliest.
Sparnaay, de hyperrealist uit deze tijd.

Afbeeldingsresultaat voor Tjalf Sparnaay,

Wie was Gustav Klimt?

{lang: 'nl'}

Afbeeldingsresultaat voor gustav klimt

Door vele critici werd Gustav Klimt in zijn tijd verguist als obscene kunstenaar die aanzette tot ontucht. Tegenwoordig wordt Klimt gezien als pionier en innovatief kunstenaar. Zijn missie was de schoonheid van vrouwen weer te geven en deze vrouwen portretteerde hij naakt. Dit was in die tijd, rond
1900, nog erg ongebruikelijk. Bij Klimt was een opening, welke dan ook, een thematiseren van penetratie. Zijn opvatting was dat er opener over erotiek gedacht mocht worden. In die zin is hij een voorvechter van een vrijere opvatting over seksualiteit, iets waarin hij Sigmund Freud als gelijkdenkende beschouwde. Het Jugendstil schilderij ‘de kus’ geeft in hoge mate weer hoezeer hij geloofde dat de vrouw de man overheerst.

Veelzijdig

Klimt wordt in 1862 in Oostenrijk geboren. Tegenwoordig wordt hij geëerd als schilder, beeldhouwer, lithograaf, graficus en tekenaar. Klimt wordt beschouwd als de belangrijkste vertegenwoordiger van de Weense Jugendstil. Zijn jeugd in Wenen was eenvoudig en kenmerkte zich door armoede. Hij was de oudste zoon van een goudgraveerder. In zijn prille jeugd kreeg hij al de smaak voor goud te pakken. Tijdens zijn studie aan de Kunstgewerbeschule toont hij zoveel talent, dat hij van commissielonen kan leven. Hij begint met zijn broer en een vriend een schilderbedrijf voor wanddecoraties. Dankzij een mecenas wordt Klimt beroemd als architectonisch decoratiekunstenaar in theater’s en kerken. Dat levert in 1888 het Goldene Verdienstkreus op en vele prijzen. Toch wringt hij zich los uit de academische traditie, wat zich uit in de Wiener Sezession-beweging. Hij zet zich af tegen traditionele opvattingen.

Eigen geluid

Na zijn erelidmaatschap van het internationale kunstcomité dat is London huisde, voelt Klimt zich vrijer zijn eigen stijl te ontplooien. Dit uit zich in ornamentale stileringen, een vlakmatige stijl met herkenbare voorstellingen, verbonden met decoratie. Steeds vaker wordt nu het erotisch getinte symbolisme afgewezen. Klimt krijgt veel schandalen te verwerken, zodat hij enkel nog privé-opdrachten aanvaard. ‘De Hoop’ en ‘De Maagd’ zijn mozaïekachtige creaties met vlakgeometrische patronen, met fijnzinnig goud gecombineerd.

Melodieuze ritmiek

Klimt wordt de meest populaire damesportrettist van de high society in Wenen. Zelf schildert hij ook weer landschappen in impressionistische stijl. Inspiratie uit reizen en andere kunstenaars leidt hem naar werken als ‘De Kus’. Hij wordt erelid aan de kunstacademi en komt te overlijden in 1918. Klimt wordt herinnert als kunstenaar die de golvende lijnen en melodieuze ritmiek van een vrouw kan vastleggen. Het is teer en zacht en deze zinnelijkheid roept sensuele gevoelens op. Veel inspiratie heeft hij geput uit zijn muze, zijn vrouw Emily Flöge.

Tags: , , ,

Maak kennis met Henri Matisse

{lang: 'nl'}
henri-matisse

Henri Matisse

Als hij zijn studie rechten niet had opgegeven, hadden we als wereld waarschijnlijk nooit kennisgemaakt met Henri Matisse. Deze geëngageerde kunstenaar overleed in 1954 op 84-jarige leeftijd. Op dat moment liet hij een immens oeuvre achter. Zijn wens was om door midden van het Fauvisme terug te keren naar de puurheid van betekenis. Hij wordt gezien als één van de belangrijkste kunstenaars voor de moderne kunst.

Actief en reislustig
De jonge Matisse werd geplaagd door chronische klachten. Om zijn uren in bed wat prettiger te maken, ontvangt hij van zijn moeder een verfdoos. Dit is het begin van zijn carrière. Uiteindelijk studeert hij aan de kunstacademie in Parijs, waar hij het vak leert van Gustave Moreau. In 1905 wordt hij de leider van het Fauvisme. Hij gebruikt een unieke knipseltechniek en vernieuwd hiermee de moderne kunststroming. Het is een radicale, innovatieve wending in de kunstwereld. Vanuit het experiment kwam hij tot composities die uiteindelijk volwaardige kunst werden. Deze spectaculaire techniek werd verrijkt door gebruik van kleuren, terwijl Matisse ook werkzaam bleef als ontwerper van kostuums, sculpturen en tekeningen. Matisse is dus zeer actief en daarnaast laat hij zich inspireren door vele reizen die hij maakt. Het gebruik van felle, onvermengde kleuren, ruwe penseelvoeringen en gedurfde vormen maakt dat zijn kunst de avant-garde oversteeg. Deze tekenaar met kleur werd een kunstenaar waar men niet meer omheen kon. ‘De Parkiet en de Zeemeermin’, ‘De Slak’ en ‘De Schoof’, ‘De rode kamer’ en het boek ‘Jazz’ zijn invloedrijke werken. Zelfs zijn ontwerp voor het ballet Le Chant du Rossignol uit 1920 wordt bejubeld.

Zeer gewaardeerde en begeerde kunst
Hoe gewild zijn kunst tegenwoordig is, blijkt wel uit het feit dat in 2014 zijn gestolen werk uit Caracas werd verkocht aan undercover-agenten in Miami. Het feit dat zijn Fauvisme al vroeg verdween, maakte niet veel verschil, want Matisse had inmiddels zijn naam gevestigd. Na neo-impressionistische en pointillistische uitstapjes, geeft hij zich volledig over aan de onbeperkende kunst. Hij wordt eenvoudig in het rijtje geschaard als Picasso, Duchamp en Kandinsky.

 

de-parkiet-en-de-zeemeermin-henri-matisse

De Parkiet en de Zeemeermin

Tags:

De wegbereider voor abstracte kunst – Wassily Kandinsky

{lang: 'nl'}
vassily-kandinsky

Wassily Kandinsky

De Russische kunstenaar Wassily Kandinsky staat niet enkel gekend als één van de grootste kunstenaars van de twintigste eeuw. Hij werd ook de wegbereider van de abstracte kunst genoemd. Wassily Kandinsky is dan ook de schilder die vorm en een filosofische achtergrond gaf aan de abstracte kunst. Met een “improvisatie” aquarel luidde hij in 1910 de abstracte kunst in. Het unieke aan Wassily Kandinsky is dat deze schilder zich liet inspireren door muziek, hij stelde uiteindelijk een klankkleurt-theorie op. Volgens Kandinsky spreekt elke kleur een eigen taal. De werken van Kandinsky werden vooral expressionisme maar soms ook symbolisme genoemd.

Meest productieve periode
Voor zijn opleiding vertrok Wassily Kandinsky in 1896 naar München, in Duitsland. Bij het uitbreken van de eerste wereldoorlog, trok hij voor enkele jaren terug naar Moskou. Naar eigen zeggen brak zijn meest productieve periode echter uit bij zijn terugkeer naar Duitsland in 1922. Samen met andere kunstenaars richtte hij de kunstenaarsgroep “Die Blauen vier” op. Vervolgens verhuisde Kandinsky naar Parijs waar hij de Franse nationaliteit aannam en ging samen wonen met de vrouw dat later zijn vrouw werd. In 1944 schilderde hij zijn laatste werk, “Getemperd élan”, dit was dan ook het jaar dat hij overleed op 88 jarige leeftijd aan een vaatziekte.

Werken vanuit een vrije geest
Met felle kleuren en vormen werden zijn schilderijen ontworpen zonder specifiek onderwerp of thema. De vormen en kleuren vormde geen herkenbaar object. Voor mij zijn het persoonlijk vooral de felle kleuren die me zo erg intrigeren. Een werk van Kandinsky geeft de mogelijk om simpelweg te genieten van iets moois zonder al te veel achterliggende gedachten of gevoelens. Ook in Nederland kunnen jullie de werken van Kandinsky bewonderd worden, zoals in Gemeentemuseum Den Haag, het Stedelijk Museum van Amsterdam, Van Abbemuseum in Eindhoven, Boijmans van Beuning in Rotterdam. Zeker een aanrader om eens een kijkje te gaan nemen.

De weergaloze kunst van Raphaël Santi

{lang: 'nl'}
madonna-del-granduca-rafael-santi

Madonna del Granduca – Rafaël Santi

‘De Transformatie’, de ‘Verloving van Maria’, de ‘School van Athene’, de ‘Madonna del Granduca’; het zijn kunstwerken die geroemd worden om hun finesse, verhalende vorm en hun tijdloze schoonheid. Deze schilderijen zijn niet weg te denken uit onze kunsthistorie. De maker van deze wereldvermaarde werken is het wonderkind van Urbino: Rafaël.

rafael-santi

Rafaël Santi

Raphaël Santi
Deze kunstenaar is onder verschillende namen bekend. Geboren als Raffaello Sanzio, heeft hij later namen aangenomen als Rafaëllo Sanzio, Raffaello da Urbino en Raphaël Santi. Rafaël was net als zijn tijdgenoten Leonardo en Michelangelo een meester van de Italiaanse Renaissance kunst, maar zijn talent reikte verder. Hij was tevens een begaafd tekenaar en architect. Rafaël werd geboren in 1483 nabij Rome, in het dorpje Urbino. De eerste kunstzinnige stappen leert hij van zijn vader, Giovanni Santi. In 1500 vertrekt hij naar Perugia, om daar de zogenaamde ‘Grazia’ te leren. Hij blinkt uit in deze stijl. Zijn subtiele sierlijkheid en geïdealiseerde vormen zijn van grote klasse. Al gauw maakt hij zijn eerste altaarstukken. Waar andere meesters van de kunst bekend stonden als grillige karakters, blonk Rafaël uit in vriendelijkheid en charme. Velen noemden hem, in tegenstelling tot de andere Renaissance-geniën, een man van de wereld.

Moeiteloze gratie
Rafaël lijkt moeiteloos te kunnen concurreren met de sombere heroïek van Michelangelo. Rafaël is de voornaamste schilder van de Hoge Renaissance. Zijn kunst wordt door critici omschreven als lyrisch en dramatisch, met veel picturale schoonheid. Iets dat opvalt in zijn werk is dat zijn afbeeldingen een bepaalde zekerheid uitstralen. De kunstenaar twijfelde blijkbaar niet over zijn keuze van vorm.

Florance
Rafaël maakt zich rond 1506 los van de Umbrische school en richt zich op de invloed van Florance. Hij maakt afbeeldingen van de heilige familie en ook schildert hij de mooiste portretten. Hij bestudeert de ‘Sfumato’-techniek, een methode gebaseerd op schaduweffecten. IN 1508 wordt hij door de toenmalige paus naar Rome geroepen. Hier werkt hij aan fresco’s voor het Vaticaan. Zijn werk is terug te vinden in de noordelijke vleugel van het paleis. Onder andere de Stanza della Segnatura is zijn werk te bewonderen.

Meesterwerk
De Hoge Renaissance stijl werd bezield door een uitdrukking van de klassieke geest. Het werk de ‘School van Athene’ is daar een uiting van. Het wordt ook erkend als zijn meesterwerk en een volmaakte uiting van de klassieke geest. De wijsgeren op het schilderij hebben allen een symbolische waarde. Aristoteles wijst vooruit, hetgeen staat voor het aardse en het innoverende, terwijl Plato omhoog wijst en daarmee het Idee aanhaalt. De rede heeft in veel van zijn schilderijen een prominente plek. Meestal in de vorm van een persoon. Grote gebaren en strenge kleuren; op dit schilderij zegeviert de menselijke geest.

Beste van twee werelden
Rafaël geloofde sterk in de overeenstemming tussen de christelijke spiritualiteit en de antieke wereld. Als humanist hield hij van literatuur, paardrijden, wapenkunde, maar ook van dansen. Van vrouwen kon hij geen genoeg krijgen en dat uitte zich met name in het schilderen van vrouwelijke figuren, zoals de Madonna. Toch bezit hij ruim voldoende aristocratische zelfbeheersing om zijn werken elegant, stijlvol en liefdevol te houden. Zijn functie als hoofdbouwmeester van de Sint Pieter te Rome leverde een ontwerp op, wat nooit uitgevoerd werd. In 1518 koopt hij een wijngaard en stierf later, op 37-jarige leeftijd, na een kort ziekbed aldaar op Goede Vrijdag. Hij werd bijgezet in het Pantheon in Rome.

Tags: , , , , , ,

Paul Sérusier: kunstschilder pur sang

{lang: 'nl'}

Kijk naar het kleine schilderijtje “Le Talisman” van de Franse kunstschilder Paul Sérusier, en je snapt meteen dat we hier te maken hebben met een grote schilder. Na adviezen van één van zijn leermeesters, de beroemde schilder Gauguin, legde hij zijn impressie van de natuur vast. Dit was het begin van een nieuwe stroming in de schilderkunst “Les Nabis”, de profeten, die uitgingen van de gedachte dat schilderen niet persé een zo natuurgetrouwe weergave van de werkelijkheid hoefde te zijn, maar eerder een representatie van de indruk, de herinnering aan die werkelijkheid. Voor degenen die het interessant vinden: in het jargon van de kunst wordt Sérusier ingedeeld bij het postimpressionisme en bij het symbolisme.

Wie was Paul Sérusier
De mens en de schilder Paul Sérusier zijn niet uit elkaar te halen. Geboren in Parijs in 1863 in een gegoede familie, blijkt al snel dat hij een uitzonderlijk talent heeft voor tekenen en schilderen. Na een korte commerciële loopbaan, kan hij er niet meer omheen dat kunst zijn passie is. Hij studeert aan de Académie Julian, waar hij bevriend raakt met een andere schilder uit zijn tijd, Maurice Denis. In 1888 exposeert Sérusier voor het eerst met zijn schilderij “Le Tisserand” en dat wordt direct een succes.
Als hij na zijn ontmoeting met Gauguin “Le Talisman” maakt, breekt hij echt door en vormt hij een eigen groep “Les Nabis” waarin het idee van bevrijding van de werkelijkheid voorop stond.

Bevrijding van de werkelijkheid

Kenmerkend voor het vroegere werk van Sérusier is dat hij, net als Gauguin, vooral gebruik maakte van primaire kleuren, schaduwen weg liet, en werkte met versimpelde lijnen. Weergave van de natuur en het gewone leven in Bretagne waren de hoofdthema’s. Als Gauguin naar Tahiti vertrekt, verandert de stijl van Sérusier dat zich vooral kenmerkt door veranderd kleurgebruik. In plaats van alleen maar primaire kleuren, gaat Sérusier na 1891 werken op een basis van grijs en het kleurgebruik blijft beperkt tot hooguit drie kleurtinten. Ook experimenteert hij met vakgenoten van Nabis met shows waarin theater en schilderkunst gecombineerd werden.

De liefde, God en de kunst

Als in 1895 zijn vriendin, de Poolse actrice en journaliste Gabriela Zapolska, hem verlaat, komt Sérusier in een diepe depressie terecht. Hij wordt daaruit gered door zijn vriend Jan Verkade die hem uitnodigt naar Beuron te komen. Hier wordt hij geïnspireerd door een nieuwe invalshoek, ontwikkeld door Desiderius Lenz, waarbij het draait om het principe dat “God alles ontworpen heeft vanuit de heilige geest volgens zijn maat, aantal en gewicht.” Deze gedachte beïvloedt Sérusier in de toepassing van kleur, beweging en verhoudingen. De denkbeelden van Lenz blijven zijn werk sterk inspireren, ook als hij zich in 1906 definitief vestigt in zijn geliefde Bretagne. In 1927 overlijdt Sérusier na een auto ongeval. Gelukkig voor ons zijn zijn werken in allerlei musea wereldwijd nog te bewonderen.

paul serusier1

paul serusier

Tags: , ,

Ai Weiwei: verzet en vereniging

{lang: 'nl'}

Het werk van de Chinese kunstenaar Ai Weiwei kenmerkt zich door de manier waarop hij beeldende kunst gebruikt om zijn politieke visie naar voren te brengen. De kunstenaar houdt zich bezig met fotografie, film en beeldende kunst. Weiwei keert zicht regelmatig tegen de gevestigde orde en stelt kritische vragen over verschillende verhoudingen in onze wereld. De verhouding tussen de overheid en de burger, het westen en het oosten, het oude en het nieuwe.

Arrestatie
Weiwei is in zijn jonge jaren meerdere malen met zijn gezin verbannen naar een werkkamp in China doordat zijn vader, een schrijver en dichter, er ideeën op nahield die “een bedreiging voor het Chinese volk waren”. Weiwei heeft deze kritische houding van zijn vader overgenomen en is daardoor ook in 2011 gearresteerd voor zijn kritiek tegenover de regering van China. De aanleiding voor deze arrestatie was onder andere zijn werk over de aardbeving in Sichuan in 2008. Weiwei probeerde de werkelijke aantallen overledenen te achterhalen, een getal dat de Chinese regering liever niet prijsgaf. In zijn werk Remembrance worden de slachtoffers van deze aardbeving herdacht.

Breken met het verleden
Ai Weiwei is niet alleen kritisch tegenover zijn eigen land, hij richt zijn aandacht ook op de verhoudingen tussen China en het westen. In zijn werk Dropping a Han Dynasty Urn is Weiwei zelf te zien in een reeks foto’s waarin hij een antieke Chinese urn van meer dan 2000 jaar oud laat vallen. Waar sommigen dit zouden bestempelen als vandalisme, ziet Weiwei deze daad als beeldspraak voor de manier waarop China gebroken heeft met zijn eigen cultuur en tradities. De Chinese kunst en cultuur is volgens Weiwei verwesterd, een punt dat hij nogmaals maakt door het Coca Cola logo te schilderen op een andere antieke urn.

Vereniging
Kenmerkend aan het werk van Ai Weiwei is de manier waarop hij verschillende culturen en kunststromingen met elkaar combineert. Hij gebruikt klassieke Chinese materialen om een moderne westerse kunststijl na te bootsen. Dit maakt het werk van de kunstenaar zeer interessant omdat het de toeschouwer een beeld geeft van zowel westerse als oosterse kunst. Zijn werk staat daardoor ook niet alleen voor verzet, in wezen worden verschillende werelden door Ai Weiwei met elkaar verenigd.

Ai WeiWei

ai weiwei

ai weiwei

Tags: , , ,

De ‘primitieve’ schilderkunst van Henri Rousseau

{lang: 'nl'}

Je hoort het wel vaker, een verhaal van een schilder die tijdens zijn leven geen waardering krijgt, niet wordt begrepen en zelfs belachelijk wordt gemaakt. Het overkwam ook de Franse schilder Henri Rousseau. Pas na zijn dood kreeg de ‘prutser’ de waardering die hem toekwam. Vandaag de dag hangen Rousseau’s schilderijen in de musea van onder meer Parijs, Praag, New York, San Francisco en Sint Petersburg.

Primitief

De in mei 1844 geboren Rousseau groeide op in het Franse plaatsje Laval. Schilderen ging hij pas op latere leeftijd. De beginnende kunstenaar van 40 jaar oud, had er toen al een carrière bij het leger en de douane opzitten. Vandaar dat hij met enige spot wel ‘Le Douanier’ werd genoemd. Rousseau was een autodidact. Hij had geen een artistieke opleiding gevolgd, wat ook zijn voordelen had. Rousseau werd namelijk niet belemmerd door de tradities van de kunst, zoals die op de academies werden onderwezen. Rousseau schilderde op zijn eigen manier, wat dan weer een doorn in het oog was van menig kunstcriticus. Zijn stijl werd omschreven als ‘kinderlijk’, Rousseau zou maar wat ‘aanprutsen’. Het was destijds trouwens gebruikelijk om neer te kijken op de primitieve of naïeve stijl die Rousseau hanteerde. Later zou het officiële erkenning krijgen en werd het zelfs op de kunstacademies gedoceerd.

Postimpressionisme

De schilderijen van Rousseau behoren tot het postimpressionisme, een stroming die overigens pas sinds 1910 die naam kreeg van de Britse criticus Roger Fry. Tot deze stroming worden ook schilders als Paul Cézanne, Paul Gauguin en Vincent van Gogh gerekend. Kenmerkend voor het postimpressionisme is dat het verder gaat dan wat het oog kan zien. De werkelijkheid wordt vervormd en uit het schilderij moet gevoel spreken.

Exotisch

Rousseau schilderde voornamelijk landschappen. Vooral bekend zijn de exotische jungle schilderijen. Inspiratie hiervoor deed hij op tijdens zijn bezoeken aan de botanische tuin Jardin des plantes, en het Natuurhistorisch museum in Parijs. Zijn eerste jungle schilderij, Tijger in een tropische storm uit 1891 werd tentoongesteld in de Salon des Indépendants. Het kleurenpalet van verschillende tinten groen is opmerkelijk. ‘De Droom’ uit 1910 is zijn laatste jungle schilderij. Hier zien we een naakte vrouw (zijn voormalige maîtresse Yadwigha) liggend op een divan, in een decor vol lotusbloemen, planten, leeuwen, vogels, een olifant en slang. Zes maanden na de expositie in de Salon des Indépendants stierf Rousseau.