De 5 mooiste kunstdorpjess in Italië

{lang: 'nl'}

Arqua Petrarca
Een dorpje dat zoals men dat noemt ‘een oase van kunst en cultuur’ is, is dan ook zeker het bezoeken waard. Het dorpje staat bekend om Francesco Petrarca, een zeer goede Italiaanse dichter, die zijn laatste jaren in dit karakteristieke dorpje doorbracht. De rust is overal in het dorpje te vinden. Je kunt er S. Maria Assunta, een kerk vinden met fresco’s in de venetiaans-byzantijnse stijl.
Kunstdorpje Arqua Petrarca
Massa Marittima
Een Italiaans kunstenaarsdorpje, wat bekend staat om zijn bijzondere architectuur. Je kunt er veel verschillende gebouwen bezoeken. Er is een kathedraal Duomo, wat je niet zou verwachten in zo’n klein dorpje, die stamt uit de elfde eeuw. In de dertiende eeuw is er een stuk bij aangebouwd. Ook is het dorpje historisch gezien interessant, omdat er nog veel oude muren omhoog staan.

Kunstdorpje Massa Marittima

Bussana Vecchia
Een dorpje met een geschiedenis. In 1887 werd het dorpje getroffen door een aardbeving, waardoor een groot deel van het dorpje van de kaart werd geveegd. Alleen de klokkentoren bleef staan. In de jaren 60 kwam er weer leven in het dorpje. Vele kunstenaars trokken naar Bussana Vecchia toe en zij maakten het plaatsje tot een kunstenaarsdorpje. In het dorpje is de grootste modelspoorbaan te vinden (door Giovanni, de Plastico Ferroviario). Ook zijn er veel tweedehands spullen, die overal en nergens vandaan zijn gekomen. Er is veel vrolijke en kleurrijke kunst op straat te vinden, die het dorpje een bijzondere sfeer geeft.

Kunstdorpje Bussana Vecchia
Vinci
Je hoort het al aan de naam, het is de woonplaats van Leonardo Da Vinci. Rocca Ariostea, een oud fort, is de woonplaats van deze wereldberoemde schilder, uitvinder en homo universalis. In zijn verblijf kun je allerlei tekeningen en schetsen van Da Vinci vinden. Ook is er een museum over Da Vinci te bezoeken. Je kunt zelfs het doopvont in de kerk waar Leonardo gedoopt is, nog bekijken.
Kunstdorpje Rocca Ariostea
Venetië
Geen klein dorpje, want het heeft 60.000 inwoners, maar er is veel te vinden over de Italiaanse cultuur. Piazza San Marco, een prachtig plein, vol van cultuur mag je zeker niet overslaan. Ook Palazzo Ducale, een prachtig palazzo als het gaat om de architectuur is ook een bezoekje waard. Santa Maria Gloriosa dei Frari, werd door de jaren heen een museumkerk. Het bekendste schilderij dat er hangt is: Assunta, die een belangrijke rol heeft gespeeld in de overgang van de Renaissance (heel Italiaans) naar de Barok.

Kunstdorpje Venetië

Waarom is kunst belangrijk voor de hersenen

{lang: 'nl'}

Het kijken naar kunst, naar schilderijen, architectuur of wonderschone natuur heeft effect op de hersenen. De beroemde Nederlandse neurobioloog Dick Swaab verklaart dat het brein de emoties overneemt die de kunstenaar ons wil laten vertellen. Dit gebeurt door de zogenaamde spiegelneuronen die in het dagelijks leven worden gebruikt om haast intuïtief de bedoelingen van anderen aan te vullen. Deze spiegelneuronen geven ons een betekenis aan het werk van een kunstenaar. Kunst beïnvloed in sterke mate de stemming. Bij een onderzoek in een psychiatrisch ziekenhuis kregen patiënten dreigende schilderijen te zien van Jackson Pollock en van Gogh. Hierop regeerde ze onrustig. Kreeg de doelgroep echter rustgevende afbeeldingen te zien zoals een landschap met dieren, heuvels en bossen, dan daalde het gebruik van rustgevende medicatie.

brain

Kunst stimuleert het beloningssysteem

Als we mooie kunst zien dan zal het lichaam ons belonen met afgifte van extra dopamine in de hersenen. Dopamine zorgt ervoor dat we ons gelukkig voelen. In oorsprong is dit beloningssysteem bedoeld om de eerste levensbehoefte te stimuleren zoals voedsel en seks. Het werkt ook op afgeleide zaken die we leuk, mooi of lekker vinden. Kunst is hier een onderdeel van.

Hersenen houden van rood

Hersenen blijken sterker te reageren op kunst waar de kleur rood aanwezig is. Rood zorgt voor opwinding en stimulatie. De verklaring is afkomstig uit de evolutie van de mens. Rood is de kleur van rijp eetbaar fruit. Voor de jagers-verzamelaar een moment van positieve opwinding. Ook in de geneeskunst is het effect van de kleur rood bekend. Rode placebo’s, pillen zonder werkzame stof, stimuleren de proefpersonen op een positieve manier. Geef je groene of blauwe medicatie dan is het effect kalmerend.

Rood werkt stimulerend

Kunst stimuleert de hersenontwikkeling

Kunst kan gezien worden als de slijpsteen voor onze hersenschors. Vooral in de ontwikkelingsjaren is dit effect sterk aanwezig. Personen die al (vroeg) in aanraking komen met kunst zijn opvallend vitaler, tevredener, optimistischer en minder angstig. Opvallend is dat dit effect toeneemt als de kunst ook als kunst wordt gepresenteerd. Noemen we het bijvoorbeeld een foto dan is het effect volgens onderzoekers minder duidelijk aanwezig.

Het ontstaan van toegepaste kunst

{lang: 'nl'}

Gebruiksvoorwerpen die mensen in het dagelijks leven kunnen gebruiken, samenbrengen met kunst, door het ontwerp en de vormgeving hiervan, wordt toegepaste kunst genoemd. Oftewel kunst die je kunt toepassen. Een belangrijk aspect van toegepaste kunst is hoe een voorwerp is vormgegeven, maar net zo belangrijk is het, dat het op een dusdanig manier is ontworpen dat het ook gebruikt kan worden. Toegepaste kunst, is dus anders dan beeldende kunst. Beeldende kunst is kunst, omdat het niet als een gebruiksvoorwerp gebruikt kan worden, zoals schilderijen en beeldhouwkunst.

Wat valt onder toegepaste kunst?

Eigenlijk heeft iedereen wel van doen met toegepast kunst. Ook een simpele koffiepot heeft een bepaalde vormgeving en er zijn speciale merken die kunstenaars en ontwerpers inzetten om het ontwerp van hun producten zo spectaculair mogelijk te maken, maar ook dat het op een geschikte wijze kan dienen als gebruiksvoorwerp. Voorbeelden van toegepaste kunst kunnen we zien in veel zaken, zoals architectuur, voor zowel bouwkunde als binnenarchitectuur, interieurontwerp, de modewereld en de edelsmeedkunst, waarbij sieraden niet alleen esthetisch fraai zijn vormgegeven, maar ook gebruikt worden als versiersels.

Toegepaste kunst

Ontstaansgeschiedenis

Van oudsher was er geen verschil tussen een ontwerper en een ambachtsman, die het product in elkaar zette. Dit was vaak ook niet van toepassing, omdat vrijwel alle producten met de hand gemaakt werden. De ontwerper van een bepaald product was vaak ook de uitvoerder hiervan. Heel langzaam vanaf de middeleeuwen begon er een scheiding te ontstaan tussen de ontwerper, die zich kunstenaar ging noemen en de uitvoerder hiervan, de ambachtsman. Dit was veelal van toepassing op producten zoals wandtapijten, meubeldecoratie en glasdecoratie. Toen vanaf de 18e eeuw de machines op de markt kwamen en producten in massaproductie gemaakt konden worden, ontstond er een heel duidelijke scheiding kunstenaar of ontwerper en uitvoerder, die doorgaans gewoon een fabrieksarbeider was.

Hedendaagse toegepaste kunst

De hele scheiding tussen ontwerper en uitvoerder, is vanaf de 19e eeuw toch weer een beetje teruggedraaid. Dit kwam omdat er echte designontwerpen op de markt kwamen, waarbij een ontwerper ook een kunstenaar wilde zijn en dus het product zelf vervaardigde. Nu is een bepaald product van een bepaald merk of kunstenaar verbonden aan zowel ontwerp als productie en richt toegepaste kunst zich wat meer op de wat exclusievere producten.

Toegepaste kunst

Waarom worden sommige kunstenaars pas bekend na hun dood?

{lang: 'nl'}
Kunstenaar zijn én dit als beroep uitoefenen is vrij moeilijk om te bereiken. Tegenwoordig zijn er hele kunstacademies vol met aspirant kunstenaars, die allemaal de droom hebben om hun brood te verdienen met de kunst die zij maken. In de meeste gevallen is dit een illusie en kosten kunstenaars juist veel geld, vanwege bijvoorbeeld de uitkeringen en subsidies die men ontvangt. Tegenwoordig zie je dan ook vaak dat een kunstenaar naast zijn kunst nog een ander beroep erbij heeft, waardoor hij een echt inkomen heeft. In het verleden hebben we in Nederland ook enkele kunstenaars gekend die straatarm zijn gestorven omdat niemand interesse had in hun kunst, maar waar tegenwoordig miljoenen voor hun kunst wordt gevraagd.

Waarom pas bekend na dood?

Hoe komt het toch dat sommige kunstenaars, die wij tegenwoordig als heel vanzelfsprekend als kunstenaar zien, tijdens hun leven niets hebben kunnen bereiken en pas na hun dood bekend zijn geworden? Is dit fenomeen te verklaren of is er gewoon sprake van domme pech?

Nieuwe kunst

Vaak is het zo dat een kunstenaar zich wil onderscheiden van andere kunstenaars. De kunst die op dat moment populair is bij het publiek wil hij voorbijstreven. Maar dat kan ook verkeerd uitpakken. Voor het aankopen van kunst zal de kunsthandelaar de ‘nieuwe’ kunst vergelijken met wat er veel gevraagd is onder het publiek. Als het onbekende kunst is, dan zal de kunsthandelaar hier niet veel vertrouwen in hebben en daardoor zal de kunstenaar er niet veel aan verdienen of bekend worden. Tegenwoordig is dit verschijnsel minder van toepassing omdat vrijwel elke vorm van kunst wel gewaardeerd wordt.

Excentriek en vooruitstrevend

Sommige kunstenaars zijn gewoon excentriek en hun tijd ver vooruit. Het feit dat hun kunst niet populair is, komt doordat het publiek hem nooit heeft begrepen of dat de tijd nog niet rijp was voor zijn kunstvorm. Een tragisch voorbeeld kunnen we zien bij één van Nederlands bekendste schilders Vincent van Gogh. Tijdens zijn leven werden hijzelf en zijn werken niet begrepen. Zo stierf van Gogh straatarm. Pas na zijn dood werd zijn manier van schilderen gewaardeerd en nu brengen zijn schilderijen miljoenen op.

In welke kunstperiode bevinden we ons nu eigenlijk?

{lang: 'nl'}

Kunst is enorm diepgaand voor mij, het is een vorm om je te uiten zowel naar de buitenwereld toe als gewoon naar jezelf. Dit kan zijn door te schilderen of zelfs door foto’s te nemen. Neem nu fotografie. Fotografie is ook een ruim allesomvattend gebeuren. Je legt iets vast en iedereen maakt er zijn eigen interpretatie van en nu met onze smartphones kunnen we gewoon zoveel herinneringen vastleggen, te veel om op te noemen. Is dit het dan? Neen, voor mij gaat het nog dieper. Is kunst gewoon ook niet foto’s in je hoofd opnemen, zelf kijken en gezien willen worden? Als die gedachte als een mooi souvenir in je hoofd kan zitten, dan is er toch niets meer dat dit kan veranderen. Volgens mij is de kunst van vandaag en de periode waar we in zitten niet zozeer het belangrijkste maar wat jij als mens ermee doet en hoe jij ermee omgaat. Kunst is observeren, liefhebben en relativeren, als je dit hebt is de kunst van vandaag als herboren, ook zelfs nu we digitaal gaan.

De huidige digitale kunstperiode is hip

Iedereen weet wel dat de computer niet meer weg te denken is, wat mis ik toch de handgeschreven strips van vroeger, waarin tekenaars nog zelf alles heel gedetailleerd uitstippelden en als ze niet tevreden waren, begonnen ze gewoon opnieuw. Nu, de tijd waar wij in leven, is dit allemaal anders. De digitale art is geboren, want het in 3D printen van tekeningen, foto’s en zelfs video’s is niet meer weg te denken. Op school word je er dagelijks mee geconfronteerd en wie vooruit wil en toekomst in deze branche ziet zitten, is gewoon eerder een digitaal persoon geworden, daarmee wil ik zeggen, dat zelfs kunstenaars zich nu al laten inpalmen door de verrassende mogelijkheden die zich aanbieden. Er bestaan nu zelfs programma’s waarin jij gewoon met een digitale pen tekent. Het enige wat ik me afvraag, is of je als kunstenaar zelf nog op dezelfde manier naar kunst kijkt. Want geef nu zelf toe een handgeschreven brief is toch ook een vorm van kunst en die krijg ik graag in mijn brievenbus. We moeten meer schrijven en met schrijven bedoel ik met pen en papier, want dat is persoonlijk en komt recht uit je hart. Je ziel leg je in een handgeschreven tekst.

Digitale art kunstperiode

Digitale art kunstperiode

Kunst is verwondering.

De mooiste kunst is nog altijd de verwondering, ook al sturen wel elke dag wel een 10 tal sms-en en ben je op je laptop aan het gamen of is je kind naar muziek aan het luisteren met oortjes in. Het kan zijn dat zelfs heel het land plat ligt doordat er een stroompanne is, maar dan is er toch nog altijd de verwondering en dat is volgens mij de enige vorm van kunst die van onschatbare waarde is en waar we ons nu in bevinden. Je hebt er niet veel voor nodig, alleen maar je verbeelding en als je deze kwijt bent, dan kijk je maar even naar een kind en je zal me wel begrijpen.

Wisselwerking tussen kunst en wetenschap

{lang: 'nl'}

Kunst en wetenschap tillen elkaar op tot grotere hoogten

Oude vrienden

Al lijkt het niet de meest gangbare combinatie, de vriendschap van kunst en wetenschap gaat al ver terug in het verleden. Denk maar aan Leonardo da Vinci, het schoolvoorbeeld van een kunstenaar en wetenschapper ineen. En in het begin van de 19de eeuw werd de Koninklijke Nederlandse Akademie van Wetenschappen (KNAW) aangevuld met Letterkunde en Schoone Kunsten. In de loop van de tijd verkilde de relatie enigszins en er werd verondersteld dat er sprake was van onverenigbare verschillen tussen deze twee disciplines. Heden zoeken kunst en wetenschap weer toenadering. Kan deze relatie weer nieuw leven ingeblazen worden?

Overeenkomsten en verschillen

Op het eerste gezicht lijken er alleen maar tegenstellingen te zijn. Wetenschap baseert zich op objectieve waarnemingen en gaat systematisch te werk. Kunst daarentegen staat gelijk aan subjectieve uitingen van de kunstenaar, sommigen onder ons durven het zelfs “vaag” te noemen. Maar er lijkt winst uit de samenwerking te halen wanneer je je richt op de overeenkomsten tussen wetenschappers en kunstenaars. Beiden zijn immers van belang voor de maatschappij. Voor beide disciplines is creatief denken vereist; je moeten tenslotte openstaan voor nieuwe ideeën of hypotheses. Bovendien moeten beiden tegen de stroom in durven te zwemmen, er is moed en volharding nodig. Kortom, eigenschappen die elke relatie nodig heeft om te slagen.

h2>Heeft deze relatie toekomst?

Al zijn de meningen verdeeld, een wisselwerking tussen kunst en wetenschap heeft zeker een toegevoegde waarde. Kunstenaars komen met nieuwe ideeën, vraagstellingen of gezichtspunten en wetenschappers kunnen dan helpen met de technische uitvoering. De wisselwerking hoeft echter niet beperkt te blijven tot techniek, ook op het gebied van biologie en psychologie zijn er inmiddels mooie resultaten geboekt. Er bestaan talloze voorbeelden, van een experimenteel kantoor van de toekomst tot een combinatie van een telescoop met een microscoop zodat een andere manier van waarnemen ontstaat. Inmiddels is de Akademie van Kunsten weer verbonden aan de KNAW en kunstenaars kunnen tegenwoordig hun doctoraat halen op de universiteit van Amsterdam en Leiden. Kunst en wetenschap lijken elkaar weer gevonden te hebben. In een maatschappij waar de robotisering de toekomst heeft, moeten we de kunst koesteren. Tenslotte kan het creëren van kunst niet door mechanisatie worden overgenomen, maar kunst kan wel de wetenschap achter deze mechanisatie ondersteunen.

Kunst en technologie

{lang: 'nl'}

In hoeverre speelt technologie een belangrijke rol binnen de kunst tegenwoordig?

Kunst heeft veel te maken met creativiteit, maar ook met kennen en kunnen. Denk hierbij aan het uitkiezen van technieken en materialen om het kunstwerk in de juiste vorm te krijgen (type verf, vorm van het beeldhouwwerk, etc.). Maar ook inspiratie speelt een belangrijke rol tijdens het proces om tot het kunstwerk te komen.

Technologie als bron voor inspiratie en meer creativiteit

Doorheen de geschiedenis heeft de kunst tal van stromingen en invloeden meegemaakt. Ook de technologie heeft niet stilgestaan in de loop der eeuwen. Het is zelfs zo dat de opkomst van de technologie voor heel wat kunstenaars heeft geleid tot nieuwe, soms revolutionaire manieren om hun creativiteit tot uiting te kunnen brengen.

Ons leven wordt alsmaar meer bepaald door ‘the Internet of Things’. Ook nanotechnologie, augmented en virtual reality, 3D-printtechnologie, biotechnologie en zelfs singulariteit worden alsmaar vaker toegepast. Stuk voor stuk openen deze technologieën een nieuwe wereld voor ons, maar ook voor ontwerpers, beeldend kunstenaars en muzikanten. Dankzij technologie zijn we in staat de wereld en onszelf op andere manieren te zien en te ervaren. En dat stelt kunstenaars in staat voortdurend nieuwe grenzen op te zoeken. Deze nieuwe vormen van kunst kunnen niet alleen interageren met de omgeving maar ook met het publiek. In de toekomst zul je dan ook steeds vaker te maken krijgen van ‘technologische kunst’.

It started with

De toepassing van technologie in de kunst is er gekomen bij het opkomen van de technologie. Het stelde kunstenaars namelijk in staat zich te differentiëren door het toepassen van unieke en vernieuwende technieken.

Een knap staaltje technologie als kunstwerk

Een mooi voorbeeld van een kunstwerk waarin technologie naar voren komt is het werk Tele-Present Water (David Bowen). Het is een kinetische structuur die beweegt op de golven van de oceaan door een realtime verbinding met de oceaan.

In de toekomst zal er in de wereld van de kunst alsmaar meer technologie verscholen zitten. Denk hierbij aan interactieve installaties, 3D-printed sculpturen, sensorgestuurde creaties maar bijvoorbeeld ook flashmobs. Uiteraard zullen er nog heel wat technologische toepassingen ontwikkeld worden waar we nu nog helemaal geen weet van hebben.

Afbeeldingsresultaat voor kunst en technologie

Wat is Aboriginal art?

{lang: 'nl'}
Aboriginal art is kunst afkomstig van de oorspronkelijke bewoners van het Australië. De Aboriginals maken kunstwerken in de vorm van schilderen. In de zeventiende en achttiende eeuw werden Australië en Nieuw-Zeeland ontdekt en zijn er veel Europeanen geimigreerd naar Australië. De stijgende immigratie maakt het niet makkelijk voor de Aboriginals. De Aboriginals zijn door de nieuwe bevolking altijd als  minderwaardig behandeld en nooit voor vol aangezien. Echter kennen de Aboriginals een eeuwenoude historie, met hun eigen rituelen, cultuur en kunst.

De droomtijd

De droomtijd is voor Aboriginals heel belangrijk. Het is de tijd van hun voorouders en het is van belang dat de huidige generatie van de voorouders leert, door middel van rituelen en kunst. Ook landschappen zijn met betrekking tot de droomtijd heel belangrijk. Belangrijke plekken in het landschap zoals rotsen of grotten vullen een belangrijke functie in de droomtijd.

De oude Aboriginal art

Wij noemen het tegenwoordig kunst, maar voor de Aboriginals is het gewoon een onderdeel van hun geschiedenis of een ritueel. Aboriginals hebben al eeuwen geschilderd. Niet altijd op papier of canvas. Er zijn grotten waarin eeuwenoude rotstekeningen gemaakt door de Aboriginals gevonden. Ook heel oude bomen kunnen tekening-inkervingen bevatten die gemaakt zijn door de oude Aboriginalgeneraties. Het doel van deze tekeningen, was niet omdat men zin had om iets te schilderen. Dit was een onderdeel van de droomtijd en met het maken van bijvoorbeeld een rotsschildering kon men kennis overdragen aan de volgende generaties.

Moderne Aboriginalkunst

De waardering voor de schilderkunst, rituelen en cultuur van de Aboriginals is pas sinds 40 jaar toegenomen. Er wordt vaker schuld bekend over wat de Aboriginals is aangedaan en de Aboriginalcultuur wordt nu steeds meer beschermd. Ook zijn er nu Aboriginals die zich op de schilderkunst gestort hebben. Zij schilderen vooral in de traditie van de oude generatie. Vooral veel symbolen en traditionele patronen. Steeds vaker vinden er tentoonstellingen plaats van kunst gemaakt door Aboriginals en wordt op veilingen veel geld voor Aboriginalkunst betaald.

Wat is dotpainting?

Dotpainting is het schilderen in stippen en is de authentieke Aboriginal schildertechniek. Oorspronkelijk deed men dit op rotsen, boomschors of mensen. Maar nadat de Aboriginal art in de vorige eeuw meer werd gewaardeerd, begon men deze dotpaintings ook op canvas te schilderen. Ook Dotpaintings bestaan uit originele Aboriginal tekens en patronen.

Wie is banksy en waarom is hij zo speciaal?

{lang: 'nl'}

Wie is Banksy en waarom is hij zo speciaal?

Banksy is en van de meest beroemde graffiti artiesten ter wereld. Hij is bekend geworden met zijn graffiti en heeft dit later gecombineerd met sjabloontechniek, omdat hij telkens door de politie op de hielen gezeten werd. De sjablonen hielpen hem zijn werk vlot af te krijgen. Zijn werken zijn wereldwijd te zien. In elke stad zien we, op zowel zichtbare plekken, als op minder zichtbare plekken wel graffiti werk. Over de meeste graffiti zijn de mensen niet zo te spreken en wordt het gezien als een vorm van vandalisme. Maar toch kunnen er onder de graffiti werken pareltjes zitten.

Wie schuilt eronder?

Het is nog helemaal niet zo gemakkelijk om iemand aan te wijzen als de artiest Banksy. Het blijft mysterieus wie Banksy precies is en mede door deze geheimzinnigheid rondom zijn persoon is hij zo bekend geworden. Banksy is de pseudoniem van de kunstenaar en er wordt vanuit gegaan dat Robin Gunningham de artiest Banksy is. Hij heeft zichzelf nooit officieel uitgegeven als Banksy, waardoor er telkens een waas van mysterie om de artiest Banksy blijft bestaan.

Welke werken heeft Banksy gemaakt?

De werken bestaan vooral uit humoristische beelden en slogans met een pacifistische en antikapitalistische boodschap. Zijn werken beelden algehele vrijheid en en anti gevestigde orde uit. Enkele voorbeelden van zijn werken:

  • Schilderij van koningin Victoria als lesbienne.
  • In het Pinguïngebied in de London Zoo de slogan ‘We’re bored of fish’.
  • Schilderijen op de muur tussen Israël en de Palestijnse gebieden.
  • Opblaasbare pop als Guantanamo Bay gevangene in Disneyland Californië.
  • Tijdelijk eigen pretpark Dismaland met macabere persiflages.
Banksy's beroemde kunstwerk

Banksy’s beroemde kunstwerk

Banksy’s carrière

Hij begon als een gewone graffiti artiest en moest regelmatig op de loop voor de politie. Naarmate zijn werk bekender werd, begonnen mensen hem als een artiest te zien. Heden ten dage zijn zijn werken wereldberoemd en heeft hij in Londen een galerie waar originele werken verkocht worden.

 

Banksy’s kunstwerken bezoeken

In steden waar hij veel aan het werk is geweest, zijn tours die langs zijn werken gaan, maar ook wereldwijd zijn er musea, die tijdelijke tentoonstellingen organiseren met zijn werken.

Wat wordt er verstaan onder de Hollandse school?

{lang: 'nl'}

Hollandse School: Herkenbare realistische kunst

De term Hollandse School omschrijft de stijl van de Hollandse schilders die werkzaam waren in de 17e eeuw, van de vroege renaissance tot en met het begin van de barok. Deze “oude Hollandse meesters” waren actief in de periode dat er in de schilderkunst een nieuwe stijl ontstond die zich onderscheidde van de Zuid-Nederlandse en Vlaamse schilderkunst.

 

Een nieuwe kunststroming

Terwijl er in Europa een felle strijd woedde tussen katholieken en protestanten en Nederland officieel nog in oorlog met Spanje verkeerde, vertrokken de Hollandse meesters naar relatief rustige gebieden in het inmiddels welvarend wordende Nederland. Vooral Haarlem werd het centrum van de nieuwe kunststroming die zich kenmerkte door een realistische stijl. Omdat in de Republiek der Zeven Verenigde Nederlanden niet de kerk of de staat maar burgers de opdrachtgevers waren van de kunstenaars, konden er nieuwe technieken worden ontwikkeld en andere onderwerpen worden afgebeeld.

Landschapkunst, portretschilderijen, stillevens en genrekunst

Wanneer je de kunstwerken van de meesters bekijkt zal het je opvallen dat de meeste afbeeldingen uit het dagelijkse leven gegrepen zijn en voor iedereen herkenbaar zijn. De schilders specialiseerden zich in landschapskunst, portretschilderen, stillevens en genrekunst. Grachten, windmolens, boerderijen en mensen uit alle sociale klassen werden door de meesters vastgelegd op het schildersdoek. Het was vooral de portretkunst wat in Haarlem de boventoon voerde en zó populair werd dat een kwart van de inwoners een schilderij in huis had hangen. Frans Hals is de meest beroemde Haarlemse portretschilder. Van zijn hand kwamen de meest levendige portretschilderijen.

Waar kenmerkt de Hollandse School zich aan?

De Hollandse School kenmerkte zich door de licht-donker effecten die door bijvoorbeeld Rembrandt van Rijn werden gebruikt. Persoonlijk vind ik het een prachtige techniek die gebruikt is om de essentie van het schilderij naar voren te brengen. In Amsterdam was hij de populairste schilder maar ook Bartholomeus van der Helsten en Adriaen van Ostade profiteerden van de toenemende vraag naar schilderijen want Amsterdam was in die tijd het middelpunt van de rijkdom in Nederland door de handel.

Boeren op het schilderdoek

Adriaen Brouwer en Jan Steen stonden bekend om hun drukke en chaotische stijl waarbij ze arme mensen en boeren vereeuwigden op het schildersdoek. Schilders zoals Johannes Vermeer legden zich toe op fijnschilderen waarbij schildertechnieken werden gebruikt om gedetailleerde en intieme afbeeldingen te laten ontstaan. Wanneer je de schilderijen bekijkt zal het je opvallen dat licht de interieurs vaak aan één kant binnenvalt.

Bezoek de Hollandse School kunstwerken

Mocht u interesse hebben in het bezoeken van de beeldige schilderijen. De kunstwerken van de Hollandse School worden van 7 oktober tot 27 mei 2018 vertoond in de Hermitage te Amsterdam.

De jonge vrouw met oorbellen, Rembrandt

De jonge vrouw met oorbellen, Rembrandt