5x Kunstwerken die je gezien moet hebben

{lang: 'nl'}

De 5 belangrijkste kunstwerken door de jaren heen

Voor wie op zoek is naar een overzichtje van 5 kunstwerken doorheen de eeuwen die je gezien moet hebben, geef ik graag mijn ‘top 5’ mee. Lees verder en ontdek!

1. Lam Gods – Hubertus en Jan van Eyk (1432)

Dit werk markeert het begin van de ‘Noordelijke renaissance’. Een deel van dit drieluik verdween jaren geleden en zo heerst rond dit kunstwerk veel mysterie. Tot op de dag van vandaag werd dit nog niet teruggevonden. Dit drieluik wordt beschouwd als het eerste werk in olieverf.

2. De temptatie van de heilige Antonius – Jheronimus Bosch (ca. 1501)

Bosch, wiens werk zich kenmerkt door zonden, demonen en schuld, heeft met dit werk wel een pareltje ontwikkeld. In deze triptiek laat hij zich inspireren door de legende van Antonius van Egypte, die beschouwd kan worden als de grondlegger van het Christelijke kloosterleven. Hoewel in vroegere tijden vaak werd aangenomen dat Bosch krankzinnig was, gaat men er tegenwoordig van uit dat hij veelal in opdracht van de rijke burgerij werkte die hun dubbele moraal probeerden te verdoezelen.

3.Venus en Mars betrapt door Vulcanus – Joachim Wtewael (1601)

Maniërist Wtewael’s oeuvre bestaat vooral uit scènes met historische, Bijbelse of mythologische weergaven in een zeer gedetailleerde stijl. ‘Venus en Mars betrapt door Vulcanus’ behoren zonder twijfel tot zijn mooiste werken.

4. Planetarium – Eise Eisninga (1774 – 1781)

Aan het plafond van woning in Franeker bevindt zich het oudste planetarium in werkende staat ter wereld.
Dit model toont nog steeds de huidige situatie van het planetarium. Het uurwerk beweegt door middel van een prachtig uitgewerkt systeem van houten hoepels, schijven en een inventief radarwerk.

5. Victory Boogie Woogie – Piet Mondriaan (1942-1944)

De Victory Boogie Woogie, hoogtepunt van Mondriaans oeuvre en een van de belangrijkste werken van de abstracte kunst uit de twintigste eeuw.
Dit is het werk, gekenmerkt door zijn ruitvorm, heeft Mondriaan nooit kunnen afwerken door zijn dood in 1944. Het werk is voorzien van diverse stukjes gekleurd papier en plastic, die Mondriaan gebruikte in zijn zoektocht naar perfectie. Het werk is gebaseerd op de dynamiek van de destijds populaire jazzvorm: Boogie woogie.

Tjalf Sparnaay, hyperrealist van deze tijd

{lang: 'nl'}

Tjalf Sparnaay werd geboren in Haarlem, 1954. Hij is een autodidactisch kunstenaar sinds 1980 en werkzaam in Hilversum. Hij ontwierp oorspronkelijk ansichtkaarten als bron van inkomsten. Oorspronkelijk studeerde hij af als sportleraar.
Hij behoort tot de strekking van hyperrealistische kunstenaars en vindt zichzelf zowel zakenman als kunstenaar.

Zowel in Nederland als in het buitenland is Sparnaays werk bekend en vinden geregeld exposities plaats. Exposities vinden plaats bij Bernarducci Meisel Gallery in New York, PlusOne Gallery in London, en Mark Peet Visser Gallery in Nederland.

Wat maakt zijn kunst zo uniek?

Sparnaay vond zijn grootste inspiratie in kunstenaars als Carel Willink en foto-realistische kunstenaars als Ralph Goings, Charles Belland en Richard Estes.
Hij werkt veelal met olieverf en zijn onderwerpen kenmerken zich door het alledaagse.
Onderwerpen die aan bod komen bij Sparnaay, zijn veelal zaken die met voeding te maken hebben. Terug te vinden onderwerpen zijn een platgetrapt Coca-Cola blik, een alledaags ontbijt, een bereid ei, een half opgegeten lunch, fastfood en desserts etc.

Hij laat zich veelal inspireren voor 17e eeuwse stillevens van gekende en minder bekende grootmeesters, maar onderscheidt zich hiervan door het toepassen van extreem grote formaten. De technieken die hij toepast zijn hyperrealisme. Zijn grootste werk dateert uit 2014 en draagt de titel FoodScape. Een immense schilderij van 120 cm x 300 cm.

Sparnaay specialiseert zich meesterlijk in details. Zijn doel is om alledaagse items uit te vergroten totdat zelfs de kleinste details zichtbaar zijn en zo de aandacht kunnen trekken van de toeschouwer die hier anders misschien niet eens aandacht aan had besteedt.
Het spreekt dan ook voor zich dat deze werken bekeken moeten worden vanop een zekere afstand zodat je alle details kan bestuderen en toch het volledige geheel niet uit het oog verliest.
Sparnaay, de hyperrealist uit deze tijd.

Afbeeldingsresultaat voor Tjalf Sparnaay,

Video kunst

{lang: 'nl'}

Videokunst is nog steeds volop in beweging

In 1965 is er een nieuwe kunststroming ontstaan. Een kunststroming die gebaseerd werd op het weergeven en vastleggen van beelden. Bewegende beelden werden elektronisch vastgelegd en werden zo voor de toekomst bewaard.

Het ontstaan van de videokunst

Er waren twee bekende pioniers op het gebied van de videokunst. Dat waren Nam June Paik uit Korea en Wolf Vostell uit Duitsland. De in 1932 geboren Nam June Paik was een Zuid Koreean die een Amerikaans kunstenaar werd en aan de wieg stond van de videosynthesizer. Hij stierf op 73 jarige leeftijd. Wolf Vostell werd eveneens in 1932 geboren en werd een bekende kunstschilder en beeldhouwer. Ook als performancekunstenaar was Wolf Vostell actief en wordt samen met Nam June Paik gezien als pioniers van de videokunst.

Wat is videokunst?Afbeeldingsresultaat voor video kunst

In 1965 kwam Sony met het eerste draagbare videosysteem. In 1965 kocht de Koreaan Nam June Paik een draagbare videoset van Sony en legde de stoet van paus Paulus VI vast. Paus Paulus VI was toen op bezoek in New York. Dezelfde dag vertoonde Nam June Paik de gemaakte beelden in het kunstenaarscafé à Go-Go en de videokunst was geboren.
De digitale video zorgde er, samen met de computer, vervolgens voor dat de videokunst een geaccepteerde kunstdiscipline werd. Vooral de combinatie van het draagbare videosysteem en de bewerkingsmogelijkheden met de computer hebben er voor gezorgd dat de te monteren en de te bewerken beelden snel in de maatschappij inburgerde en de videokunst geaccepteerd werd.

Videokunst en bioscoopfilm

In Nederland wordt videokunst gezien als een vorm van kunst die gemaakt wordt met een bewegend beeld. Verschil tussen videokunst en bioscoopfilms is feitelijk het gegeven dat videokunst niet alle facetten heeft die een bioscoopfilm wel heeft. Daarnaast wordt een bioscoopfilm gemaakt voor het vermaak van filmkijker en dat is bij videokunst niet het geval. Bij vertonen van videokunst in een museum wordt het videobeeld herhalend vertoond en videokunst kent geen acteurs. Videokunst kent evenmin een dialoog. In videokunst speelt, gebruik van bepaalde technieken, wijze van belichting, montage en of wijze van vertoning, een belangrijke rol.

 

Wat is het verschil tussen de Romantiek en de Verlichting?

{lang: 'nl'}

Jezelf plaatsen binnen de romantiek

Binnen de romantiek, die zijn piekperiode beleefde in de 18e en 19e eeuw, werd de nadruk gelegd op de natuur. Ik zou in die periode als romanticus dus veel meer luisteren naar mijn gevoelens en aandacht besteden aan de natuur om mij heen. De verklaring voor vele natuurlijke fenomenen zou ik dus niet zoeken in de rationele maar eerder de mystieke sfeer. Volgens de romantiek is de rol van de kerk van ondergeschikt belang aan dat van het individu. Als romanticus verlang je dus ook veel van de wereld om je heen maar ben je tegelijk ook onzeker, omdat je niet voor alles een verklaring kan geven. Bekende kunstenaars uit deze periode, zoals de Duitse schilder Caspar David Friedrich, tonen in hun kunstwerken landschappen met mysterieuze achtergronden. Ook in de dichterswereld kwam dit vrije denken tot uiting.

Hoe zou je tijdens de periode van de verlichting moeten kijken naar de wereld?

Tijdens de periode van de verlichting werd de nadruk meer gelegd op feiten waarbij onderzoek als grondslag ligt. Je diende dus rationeel te denken en werd feiten belangrijker dan gevoelens. Er werd afstand genomen van de kerk, maar de relatie werd niet geheel beëindigd. Binnen de kunstwereld kwam de verlichting tot uiting door de strakke vormgeving met stereometrische basisvormen. Een goed voorbeeld hiervan kan je zien aan de bouwstijl van de Brandenburger poort in Berlijn. Deze werd door de architect Carl Gotthard Langhans ontworpen.

Het verschil in inzichten tussen beide zienswijzen

Binnen de romantiek ben je als mens meer verbonden met de natuur en werd de verklaring voor al het om ons heen gebeurde, niet in de rationele maar eerder de emotionele sfeer gezocht. De gedachte was om je als mens door je gevoelens te laten lijden. Bij de verlichting waren juist feiten en onderbouwend onderzoek van belang. Gevoelens uiten was onderschikt aan het leven volgens gestelde regels. Dit verschil in zienswijze is dus ook duidelijk waarneembaar geweest in de kunst.

Afbeeldingsresultaat voor kunst romantiek

 

Duik in de wereld van het futurisme

{lang: 'nl'}

Afbeeldingsresultaat voor Boccioni

Uit het kubisme ontstond de Italiaanse kunstbeweging van het futurisme. Futuro is Italiaans voor toekomst en het Engelse woord future zal alom bekend zijn. Tussen 1909 en 1914 kende deze kunststroming haar hoogtijdagen als gevolg van het ‘Futuristisch manifest’ van de hand van de Italiaanse schrijver Filippo Marinetti in het beroemde Franse dagblad Le Figaro van 20 februari 1909. Het echte ontstaan ligt echter in het kubisme.

Kenmerkend voor het futurisme zijn energie, krachtige lijnen, progressie, snelheid, agressie en streven naar technologische vooruitgang. Binnen het indertijd in opmars zijnde nationalisme in vele Europese landen vond het kubisme een voedingsbodem in talrijke artistieke en intellectuele kringen. En dat op de valreep van de op handen zijnde Eerste Wereldoorlog. De zojuist genoemde Marinetti schreef in zijn op aanval, strijd en vooruitgang gebaseerde manifest dat hij de oorlog verheerlijkte, evenals patriottisme en anarchisme. Op zich een erg ongebruikelijke stellingname. Hij bleef echter niet alleen staan. Het manifest van de futuristische schilderkunst uit 1910 was ondertekend door Marinetti’s landgenoten Giacoma Balla, Gino Severini, Umberto Boccioni, Luigi Russolo en Carlo Carra. Kort erna publiceerde Boccioni een volgend manifest met de titel La pittura futurista. Manifesto tecnico, een technische uitleg van het eerdere manifest dat betoogde dat de schilderkunst dynamisch moest zijn door beweging weer te geven, omdat alle waarnemingen door de mens niet stilstaan maar dat hetgene dat de mens in zijn omgeving ziet altijd in beweging is. Er verschenen vervolgens manifesten ter ondersteuning maar ook vol tegengas. In de jaren 1912 en 1913 bewezen de nieuwe futuristen zich via grote exposities, te beginnen in Parijs en later in andere Europese hoofdsteden.

De stroming futurisme leefde slechts kort. Boccioni stierf in 1915 en daarmee viel het futurisme uiteen. In de jaren dertig kwam een opleving onder toenmalig jonge kunstenaars. Met name vliegtuigen vormden een geliefd onderwerp om af te beelden. Zelfs René Magritte heeft op jonge leeftijd nog in een futuristische stijl geëxperimenteerd. Ook Rusland kende een aantal futuristen. Maar al met al is de verspreiding van deze stroming tamelijk beperkt gebleven. Maar zij blijft beslist interessant om nader te beschouwen.

De periode van neogotiek

{lang: 'nl'}

Afbeeldingsresultaat voor neogotiek

Tussen 1130 en 1530 werd de Gotische bouwstijl toegepast. Het woord stamt van een Germaans volk dat het Romeinse Rijk ten val heeft gebracht. Vandaar dat Gotiek lange tijd een scheldwoord was. Neogotiek is een herleving van deze gotische stijl die in de tweede helft van de 18e eeuw werd gebruikt tot midden 19e eeuw. Het teruggrijpen naar gotische vormen werd uitgelegd als een bouwstijl waarin alles functioneel en volgens het principe van de logica werd gebouwd.

Engeland, Frankrijk en Nederland

Gotiek komt uit Engeland, waar het eigenlijk nooit verdwenen is. Oxford en Cambridge hebben in de 17e eeuw volop gotische vormen toegepast in de bouw van nieuwe gebouwen. Dankzij de schrijver Walpole werd de gotische stijl nieuw leven ingeblazen en verspreidde de neogotiek zich door Europa. In Nederland werd door Willem II de opdracht gegeven voor een gebouw in Tilburg, dat nu fungeert als stadshuis. Willem II was onder de indruk geraakt van Oxford, waar hij gestudeerd had. Zo werd de stijl van Engelse decoratie en romantische gotiek in Nederland geïntroduceerd. E. Viollet le-Duc was een Franse architect die neogotiek analyseerde en uiteindelijk toepaste. Gebouwen die in Frankrijk die in verval waren geraakt, zoals kathedralen, werden onder invloed van de Romantiek weer gerestaureerd. Viollet le-Duc beschouwde staal als volwaardig materiaal en werd zo een grondlegger van moderne architectuur.

Kenmerkend

Neogotiek komt voor uit de neiging om oude stijlen toe te passen op nieuwe objecten. Gotiek suggereert onmeetbare verte en onpeilbare hoogten. Kenmerkend uit de neogotische stijl zijn de steunberen, het ornamentele spel van traceringen, vensterharnassen van steen, luchtbogen, pinakels en de frontalen van wimbergen. De neogotische stijl kenmerkt zich ook door kruisbloemen en opengewerkte balustraden langs goten aan dakuiteindes. Vensters hebben onderdorpels die met hun arcaden de vlakken breken. Neogotiek grijpt dus in vormgeving terug naar gotiek, maar vermengt dit met andere stijlen. Neogotiek werd in het begin van de 19e eeuw vooral toegepast op follies en tuinhuizen, maar al snel werd het ook in kerken toegepast. Tot ongeveer 1850 werd de nadruk gelegd op de decoratieve elementen van de gotiek. Daarna werd pas de rationele constructie van belang. Cuypers was een Nederlandse architect die veel neogotische kerken op zijn naam heeft staan. Hij was volgeling van de Franse neogotiek.

Uitwerking

Gotische kerken werkten geruststellend naar het volk, omdat het een verband legde met de middeleeuwse beschaving die synoniem stond aan een zeer conservatieve doctrine. De neogotische stijl ademde zo iets ontzagwekkend uit, iets dat eerbied en vrees afdwong en het perspectief van de mens op goddelijke of bestuurlijke zaken in sterke mate bepaalde. Kasteel van Loppem, het stationsgebouw van Valkenburg en de Ursulinenkapel in Maastricht zijn fraaie voorbeelden van deze imponerende stijl.

Wie was Gustav Klimt?

{lang: 'nl'}

Afbeeldingsresultaat voor gustav klimt

Door vele critici werd Gustav Klimt in zijn tijd verguist als obscene kunstenaar die aanzette tot ontucht. Tegenwoordig wordt Klimt gezien als pionier en innovatief kunstenaar. Zijn missie was de schoonheid van vrouwen weer te geven en deze vrouwen portretteerde hij naakt. Dit was in die tijd, rond
1900, nog erg ongebruikelijk. Bij Klimt was een opening, welke dan ook, een thematiseren van penetratie. Zijn opvatting was dat er opener over erotiek gedacht mocht worden. In die zin is hij een voorvechter van een vrijere opvatting over seksualiteit, iets waarin hij Sigmund Freud als gelijkdenkende beschouwde. Het Jugendstil schilderij ‘de kus’ geeft in hoge mate weer hoezeer hij geloofde dat de vrouw de man overheerst.

Veelzijdig

Klimt wordt in 1862 in Oostenrijk geboren. Tegenwoordig wordt hij geëerd als schilder, beeldhouwer, lithograaf, graficus en tekenaar. Klimt wordt beschouwd als de belangrijkste vertegenwoordiger van de Weense Jugendstil. Zijn jeugd in Wenen was eenvoudig en kenmerkte zich door armoede. Hij was de oudste zoon van een goudgraveerder. In zijn prille jeugd kreeg hij al de smaak voor goud te pakken. Tijdens zijn studie aan de Kunstgewerbeschule toont hij zoveel talent, dat hij van commissielonen kan leven. Hij begint met zijn broer en een vriend een schilderbedrijf voor wanddecoraties. Dankzij een mecenas wordt Klimt beroemd als architectonisch decoratiekunstenaar in theater’s en kerken. Dat levert in 1888 het Goldene Verdienstkreus op en vele prijzen. Toch wringt hij zich los uit de academische traditie, wat zich uit in de Wiener Sezession-beweging. Hij zet zich af tegen traditionele opvattingen.

Eigen geluid

Na zijn erelidmaatschap van het internationale kunstcomité dat is London huisde, voelt Klimt zich vrijer zijn eigen stijl te ontplooien. Dit uit zich in ornamentale stileringen, een vlakmatige stijl met herkenbare voorstellingen, verbonden met decoratie. Steeds vaker wordt nu het erotisch getinte symbolisme afgewezen. Klimt krijgt veel schandalen te verwerken, zodat hij enkel nog privé-opdrachten aanvaard. ‘De Hoop’ en ‘De Maagd’ zijn mozaïekachtige creaties met vlakgeometrische patronen, met fijnzinnig goud gecombineerd.

Melodieuze ritmiek

Klimt wordt de meest populaire damesportrettist van de high society in Wenen. Zelf schildert hij ook weer landschappen in impressionistische stijl. Inspiratie uit reizen en andere kunstenaars leidt hem naar werken als ‘De Kus’. Hij wordt erelid aan de kunstacademi en komt te overlijden in 1918. Klimt wordt herinnert als kunstenaar die de golvende lijnen en melodieuze ritmiek van een vrouw kan vastleggen. Het is teer en zacht en deze zinnelijkheid roept sensuele gevoelens op. Veel inspiratie heeft hij geput uit zijn muze, zijn vrouw Emily Flöge.

Tags: , , ,

Art Nouveau

{lang: 'nl'}

art-nouveau

Wat is Art Nouveau?
Art Nouveau, ook wel Jugendstil genoemd, is een kunststroming die erg populair was in Europa. Met name tussen 1890 en 1914 was deze stroming in Europa erg geliefd, als reactie op het impressionisme. Voor 1910 was deze stijl al verdwenen in West-Europa, terwijl het in Oost-Europa een aantal jaar langer duurde. Deze kunststroming was vooral terug te vinden in gebruiksvoorwerpen zoals bijvoorbeeld boeken, sieraden, meubels of glaskunst. Ook manifesteerde Jugendstil zich in architectuur en schilderkunst. Ondanks dat de Art Nouveau slechts een korte bloeitijd kende, was dit wel een hevige periode. Het breidde zich voornamelijk uit tijdens de belle époque, Dit is een periode in de Franse geschiedenis die begint aan het einde van de 19e eeuw en loopt tot de Eerste Wereldoorlog. Belle époque is vrij vertaald “het mooie tijdperk”. Aan het tijdperk werd door de Eerste Wereldoorlog op gruwelijke wijze een einde gemaakt. De door de oorlog gewijzigde sociale en economische omstandigheden maakten een einde aan deze kunststijl. Ook de intrede van nieuwe materialen zoals bijvoorbeeld beton werkte hieraan mee.

Waarom Art Nouveau of Jugendstil?
Art Nouveau werd vooral in België en Frankrijk gebruikt voor deze kunststroming, terwijl in Duitsland en Oostenrijk de naam Jugendstil gebruikt werd. In het Nederlands worden beide benamingen gebruikt, terwijl er in Nederland ook een vertaling van het Franse woord gebruikt is voor de uitingsvormen van stijl in Nederland zelf, namelijk Nieuwe Kunst. In München verscheen rond 1896 een weekblad genaamd “Die Jugend”. De term Jugendstil werd regelmatig in dit weekblad gebruikt. Jugendstil en Art Nouveau zijn overkoepelende termen geworden voor diverse verwante stromingen die in Europa tot stand kwamen.

Kenmerken van Art Nouveau
Art Nouveau kenmerkt zich doordat het is samengesteld uit motieven die gewoonlijk asymmetrische composities vormen. Deze composities hebben een tweedimensionaal karakter. Deze is terug te vinden op onder andere lampen, meubels sieraden en bedrukte stoffen. De natuur is de belangrijkste inspiratiebron voor deze kunststijl. De motieven zijn vaak lange, mooi gestileerde planten of bloemen zoals lelies, kelken, of papavers. Ook vogels, zoals zwanen en pauwen, libellen komen veel terug in deze stijl. Vaak worden deze vormen gecombineerd met slanke vrouwenlichamen.

Tags: ,

Maak kennis met Henri Matisse

{lang: 'nl'}
henri-matisse

Henri Matisse

Als hij zijn studie rechten niet had opgegeven, hadden we als wereld waarschijnlijk nooit kennisgemaakt met Henri Matisse. Deze geëngageerde kunstenaar overleed in 1954 op 84-jarige leeftijd. Op dat moment liet hij een immens oeuvre achter. Zijn wens was om door midden van het Fauvisme terug te keren naar de puurheid van betekenis. Hij wordt gezien als één van de belangrijkste kunstenaars voor de moderne kunst.

Actief en reislustig
De jonge Matisse werd geplaagd door chronische klachten. Om zijn uren in bed wat prettiger te maken, ontvangt hij van zijn moeder een verfdoos. Dit is het begin van zijn carrière. Uiteindelijk studeert hij aan de kunstacademie in Parijs, waar hij het vak leert van Gustave Moreau. In 1905 wordt hij de leider van het Fauvisme. Hij gebruikt een unieke knipseltechniek en vernieuwd hiermee de moderne kunststroming. Het is een radicale, innovatieve wending in de kunstwereld. Vanuit het experiment kwam hij tot composities die uiteindelijk volwaardige kunst werden. Deze spectaculaire techniek werd verrijkt door gebruik van kleuren, terwijl Matisse ook werkzaam bleef als ontwerper van kostuums, sculpturen en tekeningen. Matisse is dus zeer actief en daarnaast laat hij zich inspireren door vele reizen die hij maakt. Het gebruik van felle, onvermengde kleuren, ruwe penseelvoeringen en gedurfde vormen maakt dat zijn kunst de avant-garde oversteeg. Deze tekenaar met kleur werd een kunstenaar waar men niet meer omheen kon. ‘De Parkiet en de Zeemeermin’, ‘De Slak’ en ‘De Schoof’, ‘De rode kamer’ en het boek ‘Jazz’ zijn invloedrijke werken. Zelfs zijn ontwerp voor het ballet Le Chant du Rossignol uit 1920 wordt bejubeld.

Zeer gewaardeerde en begeerde kunst
Hoe gewild zijn kunst tegenwoordig is, blijkt wel uit het feit dat in 2014 zijn gestolen werk uit Caracas werd verkocht aan undercover-agenten in Miami. Het feit dat zijn Fauvisme al vroeg verdween, maakte niet veel verschil, want Matisse had inmiddels zijn naam gevestigd. Na neo-impressionistische en pointillistische uitstapjes, geeft hij zich volledig over aan de onbeperkende kunst. Hij wordt eenvoudig in het rijtje geschaard als Picasso, Duchamp en Kandinsky.

 

de-parkiet-en-de-zeemeermin-henri-matisse

De Parkiet en de Zeemeermin

Tags:

De wegbereider voor abstracte kunst – Wassily Kandinsky

{lang: 'nl'}
vassily-kandinsky

Wassily Kandinsky

De Russische kunstenaar Wassily Kandinsky staat niet enkel gekend als één van de grootste kunstenaars van de twintigste eeuw. Hij werd ook de wegbereider van de abstracte kunst genoemd. Wassily Kandinsky is dan ook de schilder die vorm en een filosofische achtergrond gaf aan de abstracte kunst. Met een “improvisatie” aquarel luidde hij in 1910 de abstracte kunst in. Het unieke aan Wassily Kandinsky is dat deze schilder zich liet inspireren door muziek, hij stelde uiteindelijk een klankkleurt-theorie op. Volgens Kandinsky spreekt elke kleur een eigen taal. De werken van Kandinsky werden vooral expressionisme maar soms ook symbolisme genoemd.

Meest productieve periode
Voor zijn opleiding vertrok Wassily Kandinsky in 1896 naar München, in Duitsland. Bij het uitbreken van de eerste wereldoorlog, trok hij voor enkele jaren terug naar Moskou. Naar eigen zeggen brak zijn meest productieve periode echter uit bij zijn terugkeer naar Duitsland in 1922. Samen met andere kunstenaars richtte hij de kunstenaarsgroep “Die Blauen vier” op. Vervolgens verhuisde Kandinsky naar Parijs waar hij de Franse nationaliteit aannam en ging samen wonen met de vrouw dat later zijn vrouw werd. In 1944 schilderde hij zijn laatste werk, “Getemperd élan”, dit was dan ook het jaar dat hij overleed op 88 jarige leeftijd aan een vaatziekte.

Werken vanuit een vrije geest
Met felle kleuren en vormen werden zijn schilderijen ontworpen zonder specifiek onderwerp of thema. De vormen en kleuren vormde geen herkenbaar object. Voor mij zijn het persoonlijk vooral de felle kleuren die me zo erg intrigeren. Een werk van Kandinsky geeft de mogelijk om simpelweg te genieten van iets moois zonder al te veel achterliggende gedachten of gevoelens. Ook in Nederland kunnen jullie de werken van Kandinsky bewonderd worden, zoals in Gemeentemuseum Den Haag, het Stedelijk Museum van Amsterdam, Van Abbemuseum in Eindhoven, Boijmans van Beuning in Rotterdam. Zeker een aanrader om eens een kijkje te gaan nemen.